Módulo 8 · El siglo XIX

Curso de Historia del Arte · Periodo: c. 1780 – 1900 e. c. · Regiones: Francia como epicentro (París, el Salón, Barbizon), España, el mundo germánico, Inglaterra, los Estados Unidos y un Japón recién abierto que entra en diálogo con Occidente

Introducción al módulo

El siglo XIX es el siglo en que el arte se vuelve moderno. Empieza con un pintor de corte español, Goya, grabando los monstruos que engendra el sueño de la razón, y termina con un puñado de cuadros pequeños, luminosos y rebeldes que ya no caben en ningún museo de su tiempo. Entre esos dos extremos late una de las transformaciones más vertiginosas de toda la historia del arte: en cien años, la pintura deja de ser una ventana abierta a un mundo ordenado y se convierte en un campo de batalla donde se discute qué es ver, qué merece pintarse y para qué sirve el arte.

El marco temporal abarca desde el ocaso del Neoclasicismo, hacia 1780, hasta el umbral de las vanguardias del XX, alrededor de 1900. El marco geográfico tiene su corazón en París —con su Salón oficial, sus cafés, sus marchantes y sus exposiciones independientes—, pero se extiende a la España de Goya, la Alemania romántica de Friedrich, la Inglaterra de Turner y, de manera decisiva, a un Japón cuya apertura forzada en 1854 inunda Europa de estampas y reordena la mirada de toda la vanguardia. Son décadas atravesadas por revoluciones políticas, por la industrialización, por el ferrocarril y la fotografía: el arte responde a un mundo que cambia más deprisa que nunca.

¿Por qué importa? Porque aquí nacen casi todas las preguntas que seguirán vigentes hasta hoy. La fotografía libera a la pintura de la obligación de copiar lo real y la empuja a preguntarse qué puede hacer ella que ninguna máquina haga. El mercado y la crítica sustituyen al mecenazgo de la corte y la Iglesia: el artista se vuelve independiente, y también precario. La vida moderna —la ciudad, el ocio, el trabajo, la luz cambiante— se convierte en tema digno del arte. Y la idea misma de vanguardia, de un arte que se adelanta y rompe con la norma, se forja en las salas de rechazados y en los manifiestos de fin de siglo. Verlo bien exige mirada crítica: reconocer la apropiación tras el entusiasmo por lo japonés, el lugar de las mujeres artistas (Morisot, Cassatt, Claudel) demasiado tiempo arrinconadas, y la distancia entre el mito del genio incomprendido y las condiciones reales del oficio.

El hilo conductor del módulo es el paso de representar el mundo a interrogar la propia mirada. Veremos cómo el arte abandona poco a poco la fidelidad al motivo para indagar en la emoción, la sensación óptica, la estructura, el símbolo y el color liberado. Del sublime romántico a la pincelada de Cézanne, ese es el arco que recorreremos: el largo umbral por el que el arte entra en la modernidad.

Lecciones del módulo

Romanticismo — Más actitud y sensibilidad que estilo, el Romanticismo opone al orden ilustrado la emoción, el genio, lo sublime y la naturaleza, de Goya a Géricault, Delacroix, Friedrich, Turner y Constable, abriendo la puerta de entrada al arte moderno.
Realismo y los inicios de la fotografía — El arte baja de las cumbres románticas al suelo de la vida cotidiana, el trabajo y las clases populares (Courbet, Millet, Barbizon, Daumier), justo cuando la fotografía redefine para siempre qué se espera de la pintura.
Impresionismo — Pintando al aire libre y con pincelada suelta, los impresionistas persiguen la luz cambiante y la vida moderna por encima del detalle, de Manet a Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Morisot y Cassatt, rompiendo con el Salón.
Japonismo y el intercambio Oriente–Occidente — Tras la apertura de Japón en 1854, el ukiyo-e aporta una nueva gramática visual —encuadre recortado, color plano, asimetría, vacío— que transforma la vanguardia y que examinaremos críticamente como intercambio, exotismo y apropiación.
Postimpresionismo — Bajo una etiqueta acuñada en 1910 por Roger Fry, un abanico de artistas parte del Impresionismo para superarlo por vías opuestas: la estructura de Cézanne, la emoción de Van Gogh, el color simbólico de Gauguin y la ciencia óptica de Seurat.
Simbolismo y Art Nouveau — Los dos rostros del fin de siglo: el Simbolismo que bucea en el sueño, el mito y la angustia (Moreau, Redon, Puvis de Chavannes, Munch) y el Art Nouveau de la línea orgánica y el arte total (Mucha, Klimt y la Secesión, Gaudí).
Escultura y arquitectura del siglo XIX — La doble cara del siglo constructivo: historicismo y eclecticismo frente a la revolución del hierro y el cristal (Crystal Palace, Labrouste, Eiffel, Garnier), la transformación de la ciudad por Haussmann y la renovación de la escultura por Rodin y Camille Claudel.

Objetivos del módulo

Al terminar este módulo serás capaz de:

Situar cronológica y geográficamente la evolución del arte entre 1780 y 1900, desde el Romanticismo hasta el Postimpresionismo, el Simbolismo y el Art Nouveau de fin de siglo.
Analizar obras clave —de Los fusilamentos del 3 de mayo y La balsa de la Medusa a Olympia, Impresión, sol naciente, La noche estrellada o El beso de Klimt— atendiendo a forma, técnica, materiales, función y contexto.
Comprender el impacto de la fotografía, del mercado, de la crítica y de la vida moderna en la redefinición del papel del artista y de los temas legítimos del arte.
Explicar la noción de vanguardia: cómo se forjan la ruptura con el Salón, las exposiciones independientes y la idea del arte que se adelanta a su público.
Reconocer el papel del intercambio Oriente–Occidente y distinguir entre influencia fecunda, exotismo y apropiación cultural.
Evaluar críticamente los relatos heredados: el mito del genio incomprendido, el lugar de las mujeres artistas y la dimensión social y política de cada movimiento.

Pregunta clave del módulo

¿Cómo dejó el arte del siglo XIX de aspirar a copiar el mundo para empezar a interrogar la propia mirada, y qué papel tuvieron la fotografía, la ciudad moderna y el encuentro con Japón en ese giro hacia la modernidad?

Lleva esta pregunta contigo a lo largo de las siete lecciones. Verás que la respuesta es la historia de una emancipación: el arte se libera del relato, del acabado, del Salón y, finalmente, de la obligación de parecerse a lo que vemos. De la emoción romántica a la sensación impresionista y a la estructura de Cézanne, el siglo XIX no inventa un estilo, sino una libertad —la de preguntar qué es pintar— sin la cual el siglo XX sería impensable.